Source de l’image：https://www.phillymag.com/news/2025/07/26/calder-gardens-parkway/
Un retour aux sources pour l’un des visionnaires de l’art les plus audacieux, le nouveau sanctuaire urbain de Philadelphie est prêt à réinventer ce que peut être un musée.
« Vous savez, j’étais sur le bord du chapeau de Billy Penn, » se souvient Sandy Rower, en désignant la statue de William Penn au sommet de l’Hôtel de Ville, hissée en 1894.
« Je suis monté à travers la trappe qu’ils utilisent pour le nettoyage et je me suis tenu sur le sommet de son chapeau. »
Quand je blanchis à la pensée d’être une petite speck se tenant à 550 pieds au-dessus de la rue sur un énorme chapeau quaker visible à des kilomètres à la ronde, Rower me rassure en disant que le célèbre monument était entouré d’échafaudages.
Invité à vérifier le progrès de la restauration de la statue de son arrière-arrière-grand-père Alexander Milne Calder dans les années 1980, Rower a pu accéder à la trappe après avoir gravi des marches, pris des ascenseurs et finalement monté à travers l’intérieur du visage de Penn par une échelle en métal.
Rower, le petit-fils de Alexander « Sandy » Calder et président de la Fondation Calder basée à Manhattan, raconte toute l’aventure avec une nonchalance totale.
Pour Rower, c’est juste un autre événement extraordinaire pour les Calder, une famille de sculpteurs de Philadelphie réputés pour cultiver une vie et un monde peu ordinaires.
Rower est en ville pour vérifier les progrès de Calder Gardens, la très attendue institution culturelle avec une approche peu conventionnelle pour présenter l’art de son grand-père.
L’espace, le long du Ben Franklin Parkway, ouvrira ses portes au public le mois prochain.
Rower est ici pour me parler de cette addition audacieuse et de classe mondiale au Parkway, conçue par les architectes suisses primés Herzog & de Meuron et le designer de jardin néerlandais Piet Oudolf.
Les jardins Calder — que Rower qualifie de « sanctuaire urbain » — mettront en vedette les sculptures et les idées de Sandy Calder, l’un des sculpteurs les plus importants du XXe siècle.
Avec des œuvres dans tous les grands musées du monde, Calder a maintenant un chez-soi ici tout à lui.
Nous marchons sur le gravier trempé de pluie entourant la fontaine du mémorial Swann dans Logan Circle, au 19e rue et le Parkway, lors d’une vague de froid inattendue en mai.
Le grand-père de Rower, Alexander Stirling Calder, a créé La Fontaine des Trois Rivières (la sculpture de la fontaine, avec ses trois figures en bronze représentant les rivières Delaware et Schuylkill et le ruisseau Wissahickon).
« J’adore le travail de Milne, » dit Rower, « mais j’aime encore plus celui de Stirling et la façon dont il raconte des histoires.
J’aime le fait que le fils soit passé de la sculpture municipale à être quelqu’un de profondément romantique et profondément poétique. »
Puis Rower tourne son regard de la fontaine, au-delà de la construction de Calder Gardens, plus à l’ouest vers le Musée d’Art de Philadelphie, où le mobile Ghost de son grand-père, de 30 par 35 pieds, pend dans le Grand Hall.
Si vous regardez par les fenêtres avant du Musée d’Art, vous pouvez voir une file de contributions les plus célèbres de Calder à Philadelphie le long du Parkway.
Dans son autobiographie de 1966, Sandy Calder écrivait de manière irrévérencieuse : « Donc maintenant, [les Philadelphiens] disent qu’ils ont ‘le Père, le Fils et le Saint-Esprit’. »
Rower est ici pour observer les progrès du site.
La principale « remise » en acier inoxydable est en place et recouverte d’un revêtement plastique pour protéger sa façade pendant que les travaux se poursuivent.
Dans les mois précédant l’ouverture, si vous deviez passer en voiture, vous verrez une clôture en treillis avec des ouvriers à l’intérieur de l’enclos se dépêchant avec des casques de sécurité, des excavateurs à roues déplaçant de la terre, et des matériaux de construction disposés en divers tas.
Des arbres sont déjà en train d’être plantés, mais avec encore quatre mois à écouler, c’est toujours très en cours de réalisation.
Un projet Calder est en préparation depuis si longtemps sous diverses incarnations — commençant lorsque Ed Rendell était maire à la fin des années 1990 avant d’être interrompu, stoppé, réimaginé, relancé, retardé par la pandémie, et redémarré — qu’il semble presque miraculeux qu’il ouvre finalement en septembre.
Mais nous sommes les bénéficiaires de cette longue période d’incubation.
Maintenant, au lieu d’ajouter un autre musée traditionnel au Parkway, nous obtenons un type d’institution culturelle complètement différent, où les conservateurs ne vous nourrissent pas de points de données, où vous avez la liberté d’errer, de réagir et d’interpréter par vous-même.
Le Musée d’Art de Philadelphie, la Fondation Barnes et le Musée Rodin peuvent maintenant accueillir un nouveau voisin qui aspire à donner aux visiteurs une expérience radicalement différente et rend hommage à l’héritage artistique de Calder.
Les jardins Calder comblent le dernier emplacement restant sur le Parkway, complétant une série d’attractions culturelles de classe mondiale dignes d’inspirer une fierté locale.
Avant Sandy Calder, toute sculpture était ancrée au sol ou à une façade.
Il avait un talent pour conceptualiser de nouvelles façons de faire de l’art et était fasciné par la sculpture de l’espace — ce qui se trouve entre les formes dans ses œuvres — et il n’avait aucun problème à remettre en question les règles établies.
Ses sculptures en fil de fer n’avaient aucun précédent, et ses mobiles ont libéré la sculpture de son emplacement traditionnel ancré, refaçonnant la définition de ce que pouvait être la sculpture.
Les sculptures en fil de fer de Calder, qu’il a commencé à réaliser à Paris dans les années 1920, ont essentiellement abandonné l’approche de son père et de son grand-père en matière de matériaux et de forme.
Oubliez les statues en bronze ou en marbre sur des piédestaux ou fixées à des bâtiments.
Tout ce dont Sandy Calder avait besoin était une boule de fil et une paire de pinces, et voilà, il pouvait faire le portrait 3D de n’importe qui.
Né en 1898, Calder a grandi dans une maison d’artistes.
Ses deux parents avaient fréquenté l’Académie de Beaux-Arts de Pennsylvanie (comme l’avait fait son grand-père, après avoir émigré d’Écosse).
Pourtant, il allait surpasser tous les autres en stature créative, avec des œuvres commandées dans le monde entier, de Chicago à Beyrouth, de Paris à Caracas, et des endroits entre les deux.
(Lors d’une enchère en 2022, son mobile 39=50 s’est vendu pour 15,6 millions de dollars.)
Ses parents avaient deux enfants, et Calder, bien qu’il soit souvent cité comme étant né à Philadelphie, est en réalité né à Lawnton, en Pennsylvanie, une banlieue d’Harrisburg.
La confusion découle peut-être de l’autobiographie de Calder lui-même, où il déclare : « Lawnton est l’endroit où je suis né et cela a été englouti par Philadelphie. »
Il a passé une courte période à Philadelphie — fréquentant même l’Académie Germantown pendant quelques mois — mais a passé son enfance à se déplacer avec sa famille de Philadelphie à l’Arizona, à la Californie et à New York.
Il s’inscrira plus tard au Stevens Institute of Technology du New Jersey.
Mais une carrière en ingénierie mécanique ne lui convenait pas, et il s’inscrira plus heureusement à l’Art Students League de New York quelques années plus tard.
Subventionné par ses parents, Calder se rend à Paris en 1926, où il a fait sensation avec le Cirque Calder, qui était un cirque miniature complet avec des composants fabriqués en fil et en matériaux trouvés qu’il « performait ».
À partir de cela, il a continué à expérimenter le fil comme un moyen avant d’arriver à la première version de son mobile.
Le crédit du nom de ce nouveau type de sculpture revient à l’artiste Marcel Duchamp.
Calder lui a demandé comment il devrait appeler son invention.
« Duchamp a répondu, ‘C’est mobile,’ ce qui fait référence à la fois au mouvement et à la motivation en français.
Il fait un jeu de mots.
Calder a trouvé cela incroyable, » explique Rower.
Calder a grandi dans les années 1920, avec toute l’exubérance, la prospérité et le refaçonnement des normes publiques que la période entre les guerres a produite.
Les critiques ont dit que Calder cultivait le sentiment chez certaines personnes qu’il était comme un fou saint.
Il ne croyait pas aux règles et aux dictats de la société.
Il portait souvent de grandes chemises de travail rouges presque tous les jours, même lors d’ouvertures d’expositions élégantes, mais il voyageait également dans des cercles sophistiqués, entouré d’amis tels que le dramaturge Arthur Miller, le cartooniste Saul Steinberg, la peintre surréaliste Joan Miró et le peintre moderniste Piet Mondrian.
C’est l’une des missions de la Fondation Calder : inverser l’idée du fou saint et plutôt présenter le caractère radical et innovant de son travail.
Calder pouvait sembler être un bohémien au penchant pour le vin et aux fêtes de samba sauvages, mais il était également un penseur philosophique profond avec un engagement rigoureux envers son art.
À travers les décennies, Calder et sa femme et ses deux filles voyageraient entre leurs maisons à Roxbury, Connecticut, à New York et à Saché, en France, dans la vallée de la Loire, où il a pu construire un studio assez grand pour réaliser ses sculptures monumentales de mi et fin de carrière, connues sous le nom de stabiles.
Bien que Grand Rapids, Michigan, puisse revendiquer l’un des plus grands stabiles de Calder, La Grande Vitesse (hauteur de 43 pieds, longueur de 54 pieds, et largeur de 30 pieds), Philadelphie peut revendiquer le plus grand mobile du monde : le massive White Cascade (100 pieds de long et 60 pieds de large) installé à la Banque fédérale de Philadelphie au 7e et Arch Street.
Calder n’a jamais cessé de créer et avait une production prodigieuse tout au long de sa vie, y compris des sculptures en fil, son cirque miniature, des mobiles, des stabiles, des dessins et même des inventions pour améliorer sa cuisine, telles que cinq types de grille-pains.
Il a également fabriqué des bijoux et des jouets, peint des affiches anti-guerre du Vietnam et conçu des extérieurs d’une voiture de course BMW et d’un jet Braniff Airways.
(Il était bien sûr naturel que Calder veuille voir son art en mouvement, volant à travers les cieux ou se déplaçant sur une piste de course.)
Arne Glimcher, le fondateur de la Pace Gallery, a décrit le travail de Calder de cette façon dans un épisode de PBS American Masters de 1998 : « Cela brise l’illusion de tout ce que la sculpture était autrefois.
C’est contrairement à tout le corpus d’œuvres créé ce siècle.
Il a changé la nature de la sculpture.
Il a redéfini ce que la sculpture était, ce qu’elle pouvait éventuellement être, et ce qu’elle est maintenant. »
Des années auparavant, lors d’une interview, la défunte Anne d’Harnoncourt, directrice du Musée d’Art de Philadelphie, m’avait dit que le mobile Ghost de Calder avait été mal assemblé après un nettoyage.
J’ai vérifié avec Rower, et il confirme que c’est lui qui a informé le musée, ajoutant que réaccrocher un mobile est compliqué.
Il dit que vous devez assembler des échafaudages pour stabiliser l’ensemble de la sculpture, « car quand vous déclipsez quelque chose et que vous retirez tout le poids, cela pourrait s’effondrer et tomber au sol.
Donc vous devez tout tenir en position pendant que vous faites ce que vous devez faire. »
Quelque part là-dedans se trouve une métaphore pour les jardins Calder.
Une sorte d’échafaudage artistique magique a tenu tous les espoirs et rêves en place jusqu’à ce que les choses soient en position pour le réaliser.
C’était Rendell qui, par un simple coup de téléphone en 1998, a mis tout cela en mouvement.
Rower se souvient que Rendell, après avoir lu un article du New York Times sur la difficulté qu’avait la fondation avec l’ancien maire de New York Rudy Giuliani pour acheter un bâtiment appartenant à la ville, a appelé Rower pour voir s’il pouvait lui faire une meilleure offre.
Rower était ravi.
Lorsque Rendell invita Rower à la ville pour examiner les sites possibles, il accepta rapidement.
Le petit-fils de Calder n’était plus intéressé par un musée traditionnel.
Rower voulait un concept différent : un sanctuaire urbain.
Comme son grand-père, Rower s’apprêtait à effectuer un tournant radical pour créer un lieu où les gens pourraient vivre l’art d’une nouvelle manière.
L’élan et le soutien ont commencé à se construire.
Le développeur Willard « Bill » Rouse, connu pour sa capacité à réaliser des choses, explorait des idées avec Rower.
(C’est Rouse qui, en 1987, a été le premier à briser l’accord tacite de longue date selon lequel aucun bâtiment dans la ville ne devrait être plus haut que le chapeau de Billy Penn avec son gratte-ciel de 61 étages, One Liberty Place.)
Ils sont même allés jusqu’à demander à l’architecte Tadao Ando de faire des esquisses.
« Bill et moi parlions le même langage.
Il était incroyablement persuasif, » dit Rower.
« Puis Bill est mort.
C’était un choc total.
Il n’y avait personne pour ramasser les morceaux. »
Après le décès de Rouse en 2003, le projet a stagné.
Ensuite, c’est venu d’Harnoncourt, qui a contacté Rower pour relancer le projet, mais elle levait également des millions pour la rénovation du bâtiment Perelman du musée, dit Rower.
Elle est décédée de manière inattendue en juin 2008.
Et ensuite sont arrivés les hommes qui deviendraient les deux alliés les plus significatifs du projet : les philanthropes et hommes d’affaires Joe Neubauer et Gerry Lenfest.
Neubauer, ancien président et PDG d’Aramark, et sa femme, Jeanette Lerman-Neubauer, sont les administrateurs de la Fondation de la famille Neubauer.
Lenfest, qui avait gagné des milliards par la vente de sa société de câble en 1999, était également connu comme une force philanthropique en ville.
Rower dit que les deux amis, qui avaient joué un rôle clé dans le transfert de la Fondation Barnes de Merion à son nouveau domicile sur le Parkway en 2012, se sont engagés envers les jardins Calder.
Selon Rower, Lenfest, qui est décédé en 2018, a dit à Neubauer avant sa mort, « J’ai besoin que tu fasses cela pour moi.
Personne ne pouvait dire non à Joe, mais Joe ne pouvait pas dire non à Gerry. »
Neubauer, qui possède quatre Calders et dont la fondation est le principal financeur privé du projet, dit que lui et le directeur exécutif et président de la Fondation Barnes, Thom Collins, étaient en réunion avec Lenfest dans son bureau de Conshohocken.
« Après le déjeuner [Lenfest] a dit, ‘Asseyez-vous.
Je veux parler d’une autre chose avant que vous ne partiez,’ » se souvient Neubauer.
« Il a parlé de relancer le projet Calder.
Il a dit, ‘Vous devriez le faire.’ »
Plus tard, lors d’un dîner célébrant le cinquième anniversaire de la Barnes en 2017, Lenfest a de nouveau poussé, selon Neubauer, se tournant vers lui et Rebecca Rimel, président et PDG de la Pew Charitable Trusts, et a dit : « Nous devons relancer le projet Calder sur le Parkway.
Et voici comment nous allons le faire.
Je vais donner 10 millions de dollars, et Rebecca, tu donnes 10 millions de dollars, et Joe, tu donnes 10 millions de dollars, et nous obtiendrons 10 millions de dollars du gouverneur. »
Lorsque Neubauer a appelé Rower, le petit-fils de Calder n’était plus intéressé par un musée traditionnel.
Rower voulait un concept différent : un sanctuaire urbain.
Comme son grand-père, Rower était sur le point de faire un tournant radical pour créer un lieu où les gens pouvaient vivre l’art d’une nouvelle manière.
Rower aspire à engager les visiteurs de la manière dont Calder le voulait, à leur permettre de communiquer avec l’œuvre.
Rower espère que les jardins transporteront les gens et seront un lieu pour « activer des forces énergétiques » et pour une « sorte d’engagement qui est sensible et aussi un peu mystérieuse.
Il y a quelque chose qui se passe pour nous les humains qui est vraiment une force positive, et c’est aussi ce qui nous relie, » dit-il.
« Ces mystères sont ce dont l’art de Calder parle. »
Un sceptique pourrait se demander si ce discours sur l’énergie conviendrait au sculpteur célèbre pour son génie pratique.
« Il ne le voyait pas sous ces angles ésotériques, » concède Rower.
« Il le voyait plus … pas d’un point de vue scientifique, mais d’une perspective de réalité naturelle. »
Rower croit qu’une expérience introspective où le temps est ralenti (ou complètement éliminé) s’aligne avec l’exploration de son grand-père de notre monde.
Albert Einstein lui-même s’est un jour laissé fasciner par l’œuvre motorisée de Calder de 1934, A Universe, la fixant pendant tout son cycle de 40 minutes lorsqu’elle a été exposée au Museum of Modern Art à New York.
Neubauer a apprécié cette vision d’un oasis urbain.
« L’art est important pour la population de toute grande communauté urbaine, » dit-il.
« L’art donne aux gens une pause de la routine quotidienne, surtout un art exceptionnel, qui est à la fois celui de la Fondation Barnes et celui de Calder.
Ces institutions donnent aux gens un point de fierté d’avoir ces œuvres dans leur communauté et d’y participer. »
Le projet de 90 millions de dollars — annoncé en février 2020, avec des travaux finalement amorcés en 2022 — est maintenant presque à la ligne d’arrivée.
(La ville a loué le terrain à la Fondation Calder gratuitement pour 99 ans.)
La pandémie a rendu la coordination entre les départements de la ville imprévisible, notamment la réponse à la découverte d’une conduite d’eau sous le site et l’ouragan Ida de 2021.
« Quand vous recevez un appel téléphonique, ‘Nous avons trouvé un tuyau haute pression de 40 pouces qui traverse le milieu du bloc,’ vous vous dites ‘Whoa, que faisons-nous maintenant ?’ » se souvient Neubauer.
« Et quand 676 devient une baignoire et que tout le monde s’inquiète de la pression de l’eau poussant sur un bâtiment en dessous du niveau du jardin, vous pensez à combien plus de béton devons-nous verser ici ?
Nous avons eu 190 camions de ciment et de fer à béton sur le site.
Quant à être le visionnaire qui a fait passer les jardins Calder de l’idée à la réalité, Neubauer dit : ‘J’aime juste faire les choses.’
Neubauer pense que ça valait tous les maux de tête d’avoir ce triumvirat d’artistes et de designers innovants — Calder, l’architecte Jacques Herzog, et le designer de jardin Piet Oudolf — unis dans un même emplacement à Philadelphie.
C’est une destination culturelle indéniable qui devrait attirer les touristes et les habitants, ainsi que constituer une source de développement économique pour la ville.
« Pouvoir apporter tout cela à Philadelphie et au Parkway est un beau cadeau pour la communauté, » dit-il.
« Je ne suis pas né à Philadelphie, bien que j’y vive depuis 40 ans, mais j’essaie d’aider à rendre les choses un peu meilleures pour tout le monde dans cette communauté de n’importe quelle manière que je peux. »
Alors que je marche le long de la 22e rue en direction des jardins Calder, j’entends un flot de bruit : rampes d’accès et sorties et conducteurs klaxonnant et manquant d’améliorer leurs voies, le sifflement constant des voitures déjà sur le Parkway.
Un homme sur une moto tout-terrain traverse les voies centrales, moteur hurlant.
Même un camion de crème glacée à proximité avec sa mélodie sur une boucle aiguë projette une qualité légèrement maniaque.
Avec le rapport voiture-homme écrasant et le tintamarre général, je comprends l’attrait des jardins Calder comme sanctuaire loin du tourbillon de l’énergie frénétique de la ville.
Je rencontre Juana Berrio, la directrice senior des programmes des jardins Calder, qui a été embauchée en février à partir de son poste d’advisoire au programme d’étude indépendant du Whitney Museum pour superviser les opérations quotidiennes ici.
Venant de la direction de son bureau temporaire à la Fondation Barnes, Berrio traverse 12 voies pour me rejoindre et m’adresse un salut amical.
La Barnes est affiliée aux jardins Calder pour aider à minimiser les coûts généraux en fournissant un soutien administratif et opérationnel.
Berrio m’invite à marcher sur le chemin parsemé de terre bordé de cônes de sécurité vers le principal bâtiment du site.
Nous arrivons à l’espace devant le bâtiment principal et nous nous retournons pour imaginer ce que cela sera bientôt.
Berrio me dit que la construction sera terminée début juillet, et que les œuvres d’art seront installées au cours des deux semaines suivantes.
Oudolf, le célèbre designer de jardin de 80 ans, est prévu la semaine prochaine pour superviser l’arrivée de 37 000 plantes vivaces (y compris le penstemon chevelu, la menthe montagnarde groupée, la racine de Culver et la rue des prairies, pour n’en nommer que quelques-unes) qui seront arrangées et plantées.
Le jardinier néerlandais célébré a élevé ce que certains pourraient appeler le travail humble du jardinage à un niveau de créativité et de conception urbaine réfléchie qui peut être révélateur pour ceux qui l’expérimentent.
(Des exemples notables de son travail incluent le High Line de New York et le parc olympique Queen Elizabeth de Londres.)
C’est le plan ici, avec six jardins travaillant en harmonie avec l’art et l’architecture pour créer ce retrait urbain.
Les choses avancent rapidement sur le site.
Berrio souligne deux chemins courbés pour les visiteurs qui n’étaient même pas là il y a deux jours.
Elle m’informe que la façade en acier inoxydable du bâtiment principal créera un effet miroir époustouflant qui reflétera les jardins d’Oudolf.
L’architecte Herzog a dû utiliser ses talents primés à une échelle réduite pour cette commande — allant même profondément sous terre pour maximiser l’espace limité disponible.
Connu pour ses œuvres à grande échelle telles que le Tate Modern à Londres et le stade « Bird’s Nest » de Pékin, l’intérêt du cabinet pour ce projet de poche est surprenant.
« Je parlais à Jacques Herzog à Bâle, » dit Neubauer.
« Je me demandais pourquoi il acceptait cette mission.
Il a répondu que c’était un défi pour lui, de créer une scène où l’art de Calder serait exposé de manière tournante.
Quelque chose comme cela n’a jamais été fait auparavant. »
Rien n’aurait rendu Calder plus heureux que de collaborer à un projet avec Herzog : Calder aimait les architectes parce qu’ils combinaient l’esthétique avec l’application pratique, ce qu’il a également fait.
Berrio me dit que la fusion de l’art, de l’architecture et de la nature pour ce musée non traditionnel déplace l’accent sur l’apprentissage de quelque chose sur soi-même.
« C’est une invitation à une expérience holistique complète, pour l’âme, l’esprit et le corps.
… Le fait que nous soyons dans un jardin est une invitation à remarquer l’impermanence, qui est un élément si important de la vie. »
Elle souhaite que les visiteurs pensent à l’interconnexion, ce n’est donc pas surprenant que ses idées de programmation incluent la méditation et la pleine conscience.
Elle prévoit d’inviter des poètes, des musiciens, des chercheurs et des praticiens du bien-être pour des programmes spéciaux, ainsi que de créer un club de cinéma mensuel et une série sonore.
Tout est encore ouvert à la discussion, mais elle mentionne l’idée de prêter des coussins de méditation aux visiteurs cherchant un peu d’auto-découverte.
Avec une mission de ne pas être didactique, l’espace n’aura pas de panneaux explicatifs.
« Ma mission n’est pas d’interpréter le travail.
Et de ne pas laisser d’autres personnes l’interpréter pour vous, » dit Rower.
« Il n’y a rien qui modère votre expérience.
Il n’y a personne qui vous dit quoi penser.
Cela pourrait frustrer certaines personnes qui voudraient savoir quelle est la date et quel est le titre, mais ce n’est pas l’objectif de cet endroit parce que ce n’est pas un musée.
Et il n’y a pas d’exposition.
C’est juste vous étant avec une œuvre d’art. »
Un danger en supprimant les panneaux muraux et l’aide curatoriale est que les gens peuvent se sentir désorientés.
Berrio tient à préciser qu’ils ne veulent pas que les visiteurs sentent qu’ils doivent être des experts en art.
Peut-être que les visiteurs peuvent se tourner vers un voisin et lui demander ce qu’il sait sur une pièce, ou ce qu’il pense qu’elle signifie.
Cela me rappelle une idée que j’ai entendue, que les mobiles parlent d’un sens de communauté et d’interconnexion.
Les mobiles pourraient être une représentation de la façon dont les choses, les gens, les nanoparticules, les planètes — choisissez votre exemple — se rapportent et se connectent dans une communauté, une famille de formes.
L’art de Calder vous donne le temps et le moment de réfléchir à la façon dont tout est lié à tout le reste — que ce soit les abeilles bourdonnant dans les jardins en pollinisant les fleurs ou les voisins dont la politique pourrait ne pas vous plaire.
Tout est d’une certaine manière interconnecté, et ralentir pour considérer ce réseau de connexion pourrait faire de nous de meilleurs membres de la société, plus réfléchis.
Mais ce n’est qu’une interprétation.
Vous êtes accueilli à la vôtre.