Source de l’image：https://www.curbed.com/article/stephen-shore-early-new-york-photographs.html
Stephen Shore, célèbre photographe américain, a récemment publié un nouveau livre intitulé Early Work, qui présente des photographies qu’il a réalisées entre 1960 et 1965.
L’artiste, en discutant de ce projet, a avoué : « Je ne me souviens de rien ! » Ce sentiment d’étonnement est lié aux images de son livre, qui, pour beaucoup, sont restées inédites jusqu’à récemment.
La plupart des photos du recueil ont été prises lorsqu’il avait à peine 13 ans, bien que quelques-unes aient trouvé leur place dans le magazine U.S. Camera, qui a évolué vers Travel + Leisure.
À 14 ans, le Museum of Modern Art (MoMA) a acheté trois de ses tirages, mais cette série d’œuvres est restée, pendant près de 60 ans, soigneusement rangée.
C’est seulement récemment que son assistante, Laura Steele, a commencé à numériser les négatifs et à encourager Shore à redécouvrir ce trésor.
L’artiste a ainsi redécouvert des photos d’événements marquants, telles que la Convention nationale démocrate de 1964 à Atlantic City.
« J’ai quelques rouleaux de films au sol, donc j’ai dû avoir un pass au sol. J’ai photographié Bobby Kennedy debout sur le capot d’une voiture lors d’un rassemblement », confie-t-il.
Cependant, Shore n’a aucun souvenir de ce voyage.
Les premières œuvres de Shore, présentées dans ce livre, diffèrent de la célèbre série qui le popularisa dans les années 1970.
Ces images ultérieures se caractérisent par des compositions de panneaux, de bordures, de lignes électriques et d’autoroutes.
Étrangement tranquilles, ces photographies sont souvent dépouillées, méticuleusement réalisées sur film grand format et en couleur.
Shore est l’un des pionniers de la photographie couleur, une pratique que de nombreux artistes considéraient auparavant comme peu prestigieuse.
Les images iconiques de Shore ont un point commun avec le collage, en ce sens qu’elles assemblent précisément des lignes et des formes, mais lors de la prise de vue plutôt que sur surface.
En revanche, le travail précoce de Shore est en noir et blanc, réalisé avec des appareils photo portables, dépeignant des scènes de New York, souvent peuplées de personnages.
On y trouve de nombreuses photographies du Upper East Side, où Shore vivait avec ses parents, et de Greenwich Village.
Bien que des comparaisons faciles puissent être établies avec d’autres grands photographes de rue travaillant à New York à l’époque, tels que Diane Arbus, Helen Levitt et Garry Winogrand, Shore affirme qu’il ne regardait pas leur travail à ce moment-là.
Il a découvert Levitt après la publication de son livre A Way of Seeing en 1965, et souligne que les expositions étaient rares et qu’il n’y avait guère de livres publiés.
De plus, à l’époque, les galeries n’étaient pas souvent intéressées par la photographie.
L’influence ayant marqué Shore à cette époque provenait principalement du livre de Robert Frank, The Americans.
« Bien sûr que je le savais », dit Shore en se remémorant cette période, reconnaissant également avoir étudié le travail de W. Eugene Smith, Lee Friedlander et Weegee.
L’une des photographies de cette sélection, qui ressemble un peu plus à son travail ultérieur, figure sur la couverture du nouveau livre.
Elle montre un coin de rue à Rhinebeck, près de chez Shore, dans le comté de Dutchess.
La façon dont cette image a resurgi est presque étrange.
Un jour, il se souvient : « Je suis allé à Rhinebeck avec ma femme faire des courses, puis je suis rentré à la maison. Et Laura avait imprimé une pile de ces photos pour que je les voie, et celle du dessus était une photo de mes parents debout au coin de la rue au centre de Rhinebeck, une intersection que je venais juste de traverser quinze minutes auparavant, à dix miles de chez moi. »
Stephen Shore est également un enseignant renommé, dirigeant depuis 1982 le département de photographie au Bard College.
Lors d’une exchange, Shore a été invité à revenir sur une douzaine de ces images, en considérant ce qu’il se rappelle de leur réalisation et la manière dont il les analyserait comme le travail d’un étudiant entrant.
Il a peut-être été réticent à cette seconde idée au début — probablement parce qu’il ne voulait pas débattre de son jeune soi en tant que prodige, bien que légitimement, il en ait eu le droit.
Néanmoins, il a fini par s’enflammer pour le sujet, et ses observations ont été à la fois éclairantes et réfléchies.
À la fin de leur discussion, il a fourni une critique générale de son soi plus jeune, déclarant : « Mon objectif en enseignant est d’aider chaque personne à trouver sa propre voix — sans imposer la mienne, mais tentant de découvrir la leur.
Parfois, c’est donner une guidance réelle, et parfois il faut laisser les gens seuls — vous sentez qu’ils sont sur la bonne voie et qu’ils ont juste besoin d’un léger coup de pouce.
Et je dirais que ce jeune homme semble sur la bonne voie.
Il a une conscience du cadre, et peut-être qu’il n’en était pas conscient ; c’était possiblement juste une bonne intuition.
Donc je le rendrais conscient de sa conscience du cadre, en soulignant dans ces photos comment il a soigneusement choisi le point de vue, comprenant comment les espaces tridimensionnels se plient dans une image.
Et en soulignant que ce jeune homme semble intuitivement conscient que la réalité d’une photographie n’est pas la même que celle du monde. »
En examinant une image qui ressemble à l’Upper East Side, Shores commente : « Oui — c’est sur Sutton Place.
J’ai grandi dans un immeuble qui se trouve à gauche de la photo.
Et vous vous êtes approché de cette femme, ce qui semble être une chose audacieuse pour un jeune.
C’était en partie parce que personne en tout cas ne semblait avoir de réaction à cela. Personne ne disait : ‘Allez, laissez-moi tranquille.’
De toutes les images, c’est la seule où quelqu’un a réagi à la prise de photo.
Cela ne serait pas vrai de nos jours.
Cela a pu être simplement parce que j’étais juste un gamin, vous savez, et qu’il n’y avait simplement pas autant de photographes.
Cela est vrai pour cette image aussi — les gens ne réagissent pas.
Une chose que je observe dans l’ensemble de l’œuvre, c’est que j’étais très attentif aux expressions faciales, cherchant des moments qui semblent significatifs ou révélateurs.
Et ce sens structural, une conscience du cadre et de la façon dont il fonctionne.
Mais je veux aller au-delà de cela : Une autre chose que je vois est une sorte de compréhension du fossé entre le monde et le monde dans une photographie.
Ils ne sont pas la même chose, et arrêter un moment avec des expressions particulières crée cette expérience particulière qui n’est pas la même que celle de s’asseoir dans le bus en les regardant.
Cette composition semble inhabituelle.
Une chose que je pense en regardant cette image est ma décision d’inclure autant du bâtiment.
C’est cela qui fait la photo pour moi — ce n’est pas seulement la beauté de ces femmes et leur sorte de self-possession, mais la façon dont je les équilibre avec le reste du cadre.
Ces jeunes hommes semblent évoluer dans un New York qui n’existe plus.
J’entends parfois des personnes ayant grandi dans un quartier ethnique à Queens dire qu’elles se battaient entre elles, mais qu’elles allaient ensuite jouer au stickball ensemble.
Et je vois ce genre d’interaction avec ces gars qui traînent devant le magasin de bonbons ou le snack-bar ou quel qu’il soit.
Mais l’autre chose est que les gens traînaient plus dans la rue.
Ils ne regardaient pas la télévision de la même manière, et c’était une demi-siècle avant ou plus l’arrivée du premier smartphone.
Les gens traînaient dans la rue et interagissaient.
Il y avait moins de choses à faire.
Ou alors, ils étaient heureux de le faire.
Cette femme, en revanche, croise votre regard.
Est-elle désemparée d’être photographiée ou avez-vous simplement capté une expression passagère, je me demande ?
Je ne sais pas.
Mais il y a un certain nombre de personnes qui me regardent tandis que je les regarde.
Quand j’avais 14 ans, j’ai pris un cours avec Lisette Model, et je ne me souviens pas du contenu de sa critique de mon travail, mais je vois dans certaines de mes photos de l’époque son audace confrontant et critique.
Une des premières images montre deux personnes qui me rappelle légèrement celles d’Uncommon Places pour lesquelles vous êtes devenu largement connu.
C’est une image que je suppose avoir prise depuis un bus, car c’est ainsi que je me rendais à l’école.
Il y a quelques-unes où vous voyez réellement la vitre du bus, mais il y a beaucoup d’autres dans le livre où, si vous remarquez une rue avec une vue légèrement surélevée, elles ont été prises par la fenêtre d’un bus.
Et je regarde ce genre de théâtre de rue.
Et puis ici, il y en a une prise dans le métro — est-ce que vous avez beaucoup photographié là-bas ?
Je ne l’ai pas fait, mais il y en a une autre qui a été prise dans un train, et vous savez, il y a tellement de feuilles de contact couvrant tant d’années que je suis sûr d’avoir raté plein de choses.
Vous ne rencontriez pas de scène comme celle-ci à New York de nos jours, sauf peut-être à Coney Island.
Une chose dont je me souviens, c’est qu’au fil des années, j’allais fréquemment au bloc de la 42ème Rue entre la Septième et la Huitième avenues, et c’est là que j’ai pris toutes les photos des prédicateurs de rue.
Mais j’y allais aussi pour photographier des gens dans les arcades, là où se trouvaient les machines à pinball, et c’est là que cela a été pris.
Et j’adore ce type.
Je veux dire, il aide juste son fils dans les voies du monde, vous savez ?
« Cher garçon, laisse-moi t’aider à tirer cette arme. »
Et nous pouvons en plaisanter, mais ce gars a probablement combattu pendant la Seconde Guerre mondiale et est revenu vivant — il a cet âge.
Sur votre essai dans le livre, je sais que vous êtes allé à la Hackley School, dans le quartier de Tarrytown, et je vois un sweat à capuche de Hackley ici, donc je suppose que c’est là que c’était ?
Oui.
Il y a trois images de Hackley dans le livre, toutes de 1960.
C’est une école privée dans l’État de Westchester, et un gamin a trouvé un couteau à cran d’arrêt et le montre.
Votre expérience à Hackley a-t-elle été bonne ?
Non, mais ce n’est pas à cause de Hackley.
J’étais tout simplement trop jeune et j’étais souvent malheureux d’être loin de chez moi.
Mais je me sens redevable envers William Dexter, dont l’appartement avec sa femme se trouvait au bout de mon couloir.
Il a été très encourageant pour ma photographie, et il y avait un laboratoire photographique là-bas.
C’était ma première fois à travailler dans un laboratoire qui n’était pas une salle de bain convertie.
Cela se trouve à Bleecker et MacDougal Streets.
Je remarque que vous pouvez voir votre propre reflet — est-ce l’une des raisons pour lesquelles vous avez choisi cette image ?
C’est une partie de cela.
Et je connaissais la zone — à ce stade, je vivais sur l’Upper East Side et allais à l’école sur l’Upper West Side, mais pendant plusieurs années, j’ai fréquenté Little Red Schoolhouse et j’arpentais beaucoup le Village.
Je pensais un jour que le summum de la sophistication était de m’asseoir au Cafe Borgia et de boire un espresso.
Au lycée, j’allais, quelques fois par semaine, au Bleecker Street Cinema.
Après l’école, ou parfois quand je devrais être à l’école.
Cela ressemble à l’eau front, ou peut-être à bord d’un navire ?
Oui, exactement.
Cela se passe sur le Staten Island Ferry.
Et c’est encore un exemple où vous vous êtes approché de quelques inconnus.
L’autre chose que je vois dans cette image est que je saisis toute la scène.
C’est vraiment le même genre de conscience formelle sur la façon dont l’espace et les lignes sont rendus dans une image que je continue d’explorer plus tard.
C’est l’une de mes photos préférées de l’époque — je ne me souviens pas de l’avoir prise, mais je l’ai imprimée plusieurs fois à l’époque, et c’est l’une de celles dont j’étais conscient avant que Laura ne me fasse découvrir la collection.
Vous avez parfaitement capté l’oreille du gars sur le bord droit.
Oui.
Je ne suis pas sûr où cela se trouvait. Peut-être Washington Square.
Cela pourrait être, parce que c’était l’un des endroits standards où j’allais.
Je veux dire, je ne vivais pas simplement ma vie avec un appareil photo en main — j’allais faire des choses juste pour prendre des photos, aller sur le ferry, aller à la 42ème Rue.
Et Washington Square Park était un autre endroit.
Je ne veux pas faire de comparaisons, mais cela a probablement été pris la même année que la célèbre photo de banc de Garry Winogrand — une photo que j’ai accrochée chez moi pendant plus de cinquante ans, et qui est une de mes photographies préférées.
N’est-ce pas incroyable ?
Je pourrais la regarder indéfiniment.
Elle se révèle toujours.
C’est juste une œuvre extraordinaire.
Je ne cherche pas à me promouvoir, mais dans mon mémoire, Modern Instances, il y a un essai intitulé “A Thousand Words” qui est — oh Dieu, j’ai littéralement écrit exactement 1 000 mots sur cette photographie.
L’éditeur est revenu et a voulu faire quelques coupes.
Et j’ai dit : « Eh bien, si vous allez couper ces trois mots, il vaudrait mieux en ajouter trois ailleurs. »